The Incredible World of Photography. Fotosammlung Ruth und Peter Herzog

Ein kleiner Fund mit grossen Folgen. Auf einem Flohmarkt in Zürich entdecken Ruth und Peter Herzog 1974 diese anonyme Aufnahme: Eine Gruppe von Spinnerinnen zu deren Füssen sich ein Spitz niedergelassen hat. Eine ältere Frau in der Mitte haspelt das gesponnene Garn auf. Die Szene erinnerte Peter Herzog an seine eigene Familiengeschichte. Entscheidend für die beiden war jedoch die Erkenntnis über das Potenzial der Fotografie, die sowohl Kunst als auch Dokument sein kann.

Mit dem Kauf der Fotografie von Frauen am Spinnrad war die Sammelleidenschaft der Herzogs geweckt. Die Auswahl der Fotos und ihre Zusammenstellung unterlagen von Anfang an subjektiven Kriterien. Auf diese Weise ist im Lauf der Jahre eine Sammlung entstanden, deren Strukturprinzip im scheinbar chaotischen Neben- und Miteinander sehr unterschiedlicher Bilder besteht. Diese gewollte Unordnung, die die Welt im Kleinen widerspiegeln soll, verbindet die Fotosammlung mit den Wunderkammern der frühen Neuzeit.

Die Fotosammlung sollte alle Lebensbereiche des modernen Menschen erfassen. Aus diesem Grund haben sich Ruth und Peter Herzog dagegen entschieden, ihre Fotosammlung chronologisch oder gar nach Fotografen anzulegen. Stattdessen wurden die Bilder in Kategorien wie Porträt, Freizeit oder Geschichte zusammengefasst.

Ob Freizeit, Politik, Sport oder Pornografie: Kein Motiv, das massenhaft fotografiert wurde, fehlt in der Fotosammlung, die den Anspruch erhebt, „die Vielfalt des menschlichen Lebens im Industriezeitalter darzustellen“, so Peter Herzog. Das macht sie einzigartig. Neben Einzelaufnahmen kauften die Sammler auch Alben, Kisten, Nachlässe anderer Sammler und ganze Archive von Fotografien.

Die meisten Aufnahmen sind datiert und beschriftet, immer wieder finden sich auch eingeklebte Postkarten. Das Integrieren von kleinen Souvenirs war damals üblich. Teilweise wurden Familienalben mit aufwändigen, handgemalten Illustrationen verziert.

Fotoalben sind intime Objekte, die die Geschichte eines Einzelnen oder einer Gruppe erzählen. Sie stecken voller Momentaufnahmen, die auf den ersten Blick einmalig sind. Gleichzeitig erfahren wir aus ihnen etwas über ganze Generationen. Ein Vergleich vieler verschiedener Familienalben zeigt, wie die «Individualität», die Einzigartigkeit des Einzelnen standardisiert wird. Wir sehen, wie sehr sich bestimmte Erfahrungen ähneln und welche Strukturen und Muster unsere eigene Geschichte prägen.

Auf Menschen, die Krieg nicht miterlebt haben, können diese privaten Aufnahmen befremdlich wirken. Das Grauen ist hier auf ein handliches, ordentlich beschriftetes Album zusammengeschrumpft. Was bei uns Unbehagen auslöst, war offensichtlich ein erinnerungswürdiger Augenblick, den man fotografieren wollte.

Die Mondlandung war von Anfang an als Medienereignis geplant. Die massenhafte Zirkulation von spektakulären Bildern war Teil der Mission, den ersten Menschen auf den Mond zu bringen.Einige der Fotografien, darunter die von Aldrin, sind zu Ikonen geworden und haben Eingang in unser kollektives Bildgedächtnis gefunden.

Auch wer sich nicht für Kunst interessiert, kennt die Mona Lisa und ihr geheimnisvolles Lächeln. Auf dem Foto ist ein Pariser Strassenhändler zu sehen. An diesem Tag im August 1911 hat er ausschliesslich Postkarten der Mona Lisa im Angebot. Denn kurz zuvor haben Kunsträuber das berühmte Gemälde in einer spektakulären Aktion aus dem Louvre entwendet. Doch die Postkarten, die der Händler verkauft, sind weit mehr als einfache Reproduktionen! Sie sollten die Geschichte dieses Gemäldes entscheidend prägen.

Unersetzlich wurde die Mona Lisa erst, als sie verschwunden war. Fotografien machten die Abwesenheit des Originals erfahrbar, indem sie die leere Wand im Louvre in den Zeitungen zeigten. Während die tausendfach verschickten Postkarten dem Gemälde zu Weltruhm verhalfen, stellte die Fotografie gleichzeitig die Frage nach der Notwendigkeit des Originals. Damit löste sie ein regelrechtes Erdbeben in der Kunstwelt aus!

Ist es wichtig, dass das Gemälde im Louvre hängt, wenn man die Mona Lisa als Postkarte besitzen kann? Der Louvre antwortete darauf, in dem das Gemälde nach seiner Rückkehr isoliert aufgehängt und damit seine einzigartige Bedeutung hervorgehoben wurde.

Die Fotografie polarisierte. Verfechter und Gegner lieferten sich erbitterte Debatten. Was kann die Fotografie? Schnell wurde anerkannt, dass sie zur Dokumentation geeignet ist. Doch die Meinungen zu ihrem Kunstwert gingen auseinander. Zu mechanisch, zu wenig schöpferisch erschien vielen Zeitgenossen die technische Entstehung eines Bildes.

Man kann sich kein besseres Symbol des Fortschrittsglaubens vorstellen als den Eiffelturm. Mit der Errichtung des Eiffelturms für die Pariser Weltausstellung von 1889 feierte man die technischen Errungenschaften des 19. Jahrhunderts. Dazu gehörte auch die Fotografie.

Durch die illustrierten Zeitungen, und einen stetig wachsenden Markt für Fotografien wurde das Bild zum Massenmedium. Karl Marx zählte die Fotografie neben Eisenbahn, Dampfkraft, Telegrafie und Gasanstalten zu den Sinnbildern des Fortschritts.

Robert Delaunay porträtierte den symbolträchtigen Bau insgesamt 30 Mal. Dieses Gemälde ist abstrakt und dennoch erkennt man die charakteristische Konstruktion. Die vom Kubismus inspirierte Malweise zerlegt den Turm und die Stadt in einzelne Facetten und zeigt mehrere Ansichten gleichzeitig. Der Fotografie wird gerne nachgesagt, eine Wegbereiterin der modernen Malerei gewesen zu sein. Denn es war jetzt nicht mehr Aufgabe der Kunst, Dinge naturgetreu abzubilden.

Die Reproduktion von Gemälden gehört schon früh zum Angebot der Fotografen. Im 19. Jahrhundert entstehen Ateliers, die sich auf die Fotografie von Kunstwerken spezialisieren. So können die Museen dieser Welt günstig und bequem „bereist“ werden, ohne dass man das Haus verlassen muss.

Die Diskussion über das Verhältnis von Original und Kopie eines Kunstwerkes wird wichtiger, als Fotografie nach dem Zweiten Weltkrieg zu einem veritablen Massenmedium avanciert. Aus der Spannung zwischen Original und Kopie gewinnt auch die Gegenwartskunst wichtige Impulse. Warum sind Authentizität und Originalität überhaupt so wichtig?

Mit ihren provokanten Arbeiten hebt Sherrie Levine die Idee der Autorschaft aus den Angeln. Als eine der wichtigsten Vertreterinnen der "Appropriation Art" ist sie dafür bekannt, sich die Werke männlicher Fotografen und Maler anzueignen. Mit L’Absinthe setzt Levine sich mit grundlegenden Fragen im Verhältnis von Fotografie und Malerei auseinander: Die Wiederholung, die Rahmung und das Aufhängen im Museum verleihen der Kopie einer Kopie den Status eines eigenständigen Werks.

Sehr früh schon experimentierten Fotografen mit der Farbe durch spezielle Entwicklungsverfahren wie die Cyanotypie oder das nachträgliche Kolorieren von Motiven. Jeder Fotograf benutzte einen eigenen Entwickler, der den Abzügen eine spezielle Farbigkeit verlieh.

Mit dem Autochromverfahren war schon 1903 eine realistische Farbwiedergabe möglich. Dennoch hatte die Farbfotografie insbesondere bei Fotokünstlern einen schlechten Ruf. Bis in die 1970er Jahre hielten sie an einer Schwarz-Weiss-Ästhetik fest, um den Kunstcharakter der Aufnahmen zu unterstreichen. Farbe wurde mit Werbebildern und anderen Produkten der Populärkultur assoziiert.

Der in der Fotosammlung Ruth und Peter Herzog enthaltene Teilnachlass von Hans Hinz (1913-2008) enthält viele beliebte Werbemotive aus den 1950er und 1960er-Jahren. Ihre markanten Farben sind typisch für diese Zeit. Hinz war ein internationaler Pionier der Werbefotografie. Trotzdem ist sein Werk heute nur Wenigen bekannt. Das lag am schlechten Ruf der Farbfotografie und daran, dass er als Fotograf vor allem Auftragnehmer war, der Produkte ohne eigene Handschrift abliefern sollte.

Für die Arbeit von Hinz war Farbe essentiell. Durch seine Experimente wurde er international zu einer führenden Figur auf diesem Gebiet. Er war der einzige in der Schweiz, der in seinem Fotolabor die neuen Ektachrome-Filme entwickeln konnte, die Kodak 1948 auf den Markt brachte.

Kein anderes Bildmedium und keine andere Kunstform sind heute so präsent wie die Fotografie. Ob in der Kunst, in der Berichterstattung, der Werbung oder auf unseren Smartphones. Jeder von uns produziert mit seinem Handy Tausende von Fotos und teilt diese über Social Media mit der Welt.

Es gibt nicht die eine Fotografie. Es gibt private und öffentliche Fotografie, dokumentarische Fotografie, Pressefotografie, Werbefotografie und Fotokunst. Dieser Vielfalt wollten Ruth und Peter Herzog durch ihre Fotosammlung gerecht werden. Doch Bilder sammeln allein reicht nicht, man muss sie auch lesen können.